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Nous avions déjà " rencontré" Sonia Delaunay

lorsque nous avions travaillé à la suite des " femmes peintres".

Je vous invite à relire l'article que j'avais écrit alors.

Relire ici

C'est à " la couleur" qu'elle restera fidèle , la " couleur" qu'elle avait partagé avec Robert et qui a irradié leur vie commune.

C'est ce qu'elle écrit dans ses " Mémoires", un an avant sa mort, à l'âge de 94 ans.

Après la mort de Robert (à l'âge de 41 ans), elle continuera en effet à porter leurs découvertes mutuelles.

Dès leur rencontre en 1909,

ils ont formé un coupe d'"agitateurs" ,

audacieux, toujours dans une fièvre créative.

Sonia n'est pas seulement la muse de Robert dans ce couple " futuriste", elle en est l'énergie dynamique à la recherche d'une nouvelle forme d'art.

Chacun des deux cherche, recherche de nouvelles pistes de création avec un même projet, s'apportant l'un l'autre des évidences qu'ils pressentaient déjà avant leur rencontre.

 Leurs créations sont une véritable métaphore de leur couple : des formes colorées, géométriques, qui dansent, tourbillonnent, s'enlacent , vibrent ... de tous leurs feux colorés.

Ensemble, menant leurs recherches sur la couleur et la lumière sur la base des "contrastes successifs et simultanés" des couleurs,  ils fondent " l'Orphisme", nommé ainsi par Guillaume Apollinaire qui dans son poème " Orphée" ( 1908) tentait lui aussi de retranscrire rythmiquement ce qu'il nommait " le langage lumineux".

Robert, s'appuyant sur le cubisme et le fauvisme cherche sa voie et ouvre des "fenêtres" sur la lumière pure , vibratoire, et  ses " contrastes simultanés".

" C'est historiquement dans la couleur, élément fonctionnel lié à la forme, que je concevais le moyen plastique d'expression. A la couleur, je donnais le rôle unique à construire , élément rythmique et vivant et représentatif, la représentation même" ( Robert Delaunay - lettre à Albert Gleizes)

Pour Sonia, mêmes conclusions :

" La couleur seule est forme et sujet "

Mais  Sonia "est" la couleur elle-même ; plus éclectique que Robert elle s'intéressera à la mode, aux tissus, aux papiers peints, aux collages, aux ballets, aux décors de théâtre, aux livres, au mobilier, à la décoration intérieure et à celle des voitures...

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Pour notre " recherche colorée" actuelle, je vous ai proposé de travailler à partir de deux oeuvres des Delaunay.

Je vous en ai donné " le dessin" ... à vous de mettre les couleurs en vous appliquant à appliquer les notions de contrastes " chaud - froid" que nous avons abordées, ceci de façon à créer une profondeur dans vos travaux.

Vous avez terminé ou à peu près, ....

Vous pouvez ainsi découvrir les deux oeuvres que j'ai prises comme point de départ.

Le but du travail , je vous le rappelle, n'est pas le même que celui qui a présidé à celui des Delaunay !

Donc vos travaux doivent être différents !

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( N'oubliez pas de cliquer sur les images pour les agrandir)

  "Color Explosion"

Robert Delaunay

Centre Pompidou, Musée national d’art moderne

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"Tout dans Cirque est combiné d'après l'harmonie par analogie, la conciliation des contraires, en vue de sensations gaies : ascendance des lignes, contrastes successifs des tons, dominante orangée très écrite qu'accentue un cadre en opposition de tons et de teintes avec l'ensemble...".

Un critique au moment de l'exposition du tableau au Salon des Indépendants en 1891.  

" Le cirque" ( 186 x 152 cm)

 Musée d’Orsay à Paris

En effet  « Cirque » ou " Le Cirque" de Georges Seurat ( peint en 1890) fait suite à deux tableaux : « Parade » et « Chahut ». S'il est le troisième volet d'une série consacrée par Seurat aux attractions populaires et aux spectacles de la nuit, « Cirque » se présente surtout comme l'une des plus impressionnantes applications de ses recherches divisionnistes, tout en  poursuivant sa réflexion sur la représentation du mouvement, et ce, malgré la rigueur de la technique divisionniste.

Seurat y applique ici les théories de Charles Henry sur les effets psychologiques de la ligne et de la couleur ainsi que celles des lois du mélange optique des couleurs formulées par Chevreul et Rood.

Relire l'article sur la théorie du néo-impressionnisme

  avec l'importance de la couleur divisée

mais aussi celle de la composition des lignes :

ici

" Parade "

" Chahut"

Analyse du tableau :

        Il est important en premier lieu d'observer le tableau par rapport à son centre, ce qui  permet d'observer l'équilibre des masses.

     Ici, les 4 sujets  sur la piste : le clown de dos au tout premier plan, le Monsieur Loyal sur la droite, l'écuyère et le cheval se répartissent de façon équilibrée dans les 4 parties dessinées par les diagonales qui définissent le centre.

Le regard vers la droite du clown et l'acrobate dans un saut arrière permettent de les répartir selon une forme classique en triangle.

     Deux espaces se juxtaposent :

     *celui de la piste et des artistes, tout en courbes, en dynamique ...

     * et celui des gradins et du public, rigide, orthogonal, immobile, d'une rigoureuse géométrie.

• La limite entre les deux parties passe par le centre.
  
• L'organisation rigide de la partie haute du tableau contraste avec la souplesse du premier plan.
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  " Cirque" représente le numéro de l’écuyère du cirque Fernando (futur cirque Medrano). 

• Seurat représente ici un plaisir populaire, et lui sert de prétexte à une critique sociale : la superposition des spectateurs est l'occasion d'illustrer la diversité sociale et ses inégalités.

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•   Le cadrage est influencé par le japonisme alors en vogue.

• De nombreux artifices de composition permettent de guider le regard du spectateur et de créer une dynamique : le personnage du premier plan, l'ouverture sur la droite de la toile permettent d'introduire la profondeur,en suivant le ruban que tient le clown selon une oblique du bas en gauche vers le haut à droite, induite aussi par la postion de l'écuyère.

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• L'ordre des couleurs obéit aussi à des règles précises : la couleur primordiale est celle de la lumière pure, le blanc, et domine la toile.
  
• Les trois teintes fondamentales : le rouge, le jaune et le bleu, sont " accordées" en petits traits répondant au rythme des lignes. 
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• Seurat peint directement une bordure sombre sur la toile puis continue de peindre le cadre avec le même ton : celui-ci fait partie intégrante de l’œuvre.
  
•  Comme pour d'autres tableaux, Seurat fait le choix de peindre l'encadrement avec la même technique divisionniste que le reste de l'œuvre, avec une couleur qui fait ressortir la vivacité des tons de la toile, selon la loi des complémentaires.
• ( relire ici )

Seurat travaillera tout l'hiver 1890-91, jour et nuit, à la réalisation de ce tableau complexe (40 personnages), en désirant le présenter au  huitième Salon des Indépendants de mars 1891.

Seurat l'y exposera, partiellement inachevé.

Il meurt subitement pendant l'exposition, à l'âge de 31 ans d'une angine infectieuse.

 Signac dira alors:  

" Notre pauvre ami s'est tué par trop de travail".

Le 20 mars 1891, l'exposition est inaugurée. Seurat se reproche une erreur dans le cheval. Soudain, Puvis de Chavanne, qui fut un modèle pour le jeune artiste à ses débuts, entre dans la pièce. Seurat pense qu'il va remarquer la faute qu'il a faite dans son cheval et s'en ouvre à Angrand. Puvis de Chavanne s'avance lentement, s'approche du " Cirque" ... et passe devant la toile sans même s'arrêter. Seurat est mortifié. Il sort fumer un cigare... Deux jours plus tard, il se plaint d'un fort mal à la gorge et quelques jours plus tard, une hémorragie cérébrale l'emporte ( son fils le suit dans la tombe deux semaines après du même mal , ainsi que l'enfant que portait Madeleine, sa compagne).

Signac, restera longtemps en état de choc...

L'oeuvre de Seurat, réalisée en moins de dix ans représente une énorme somme de travail, compte tenu de la méthode scientifique de Seurat, de ses multiples dessins ou "croquetons" préliminaires (jusqu'à trente pour la Grande Jatte) et sa technique pointilliste.

Seurat fut incontestablement à l’origine d’une importante révolution dans le domaine de la peinture.

  Que serait devenu son art s'il avait vécu plus longtemps ?

Nous avons ensemble réalisé ce tableau de Seurat.

Pour en retrouver les différentes étapes, je vous propose de les  (re) découvrir dans l'album photo " Le cirque de Seurat" ( ici) dans lequel j'ai ajouté aussi les dessins de Seurat que nous avons travaillé en cours de dessin ...

Si le coeur vous en dit ! 

Servez vous d'un papier tramé et en effleurant la surface en dessinant

vous obtiendrez cet effet pointillé.

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En cette fin du XIX° s., le mouvement impressionniste s'essouffle ; des artistes de la jeune génération cherchent déjà de nouvelles pistes.

Georges Seurat , alors âgé de 24 ans expérimente les possibilités de l'optique appliquée à la peinture, basant son travail sur les ouvrages scientifiques de Charles Blanc («  La grammaire des arts du dessin »), de Sutter et de Rood.

En 1884, il présente au jury du Salon une toile : " Baignade, Asnières ".

1883-1884-              200 × 300 cm

La toile est refusée.

Comme beaucoup d'artistes de cette époque, exaspérés par l'intransigeance du Salon, Seurat s'engage auprès des "indépendants" et participe à la première exposition de la Société des Artistes Indépendants, organisée quelques mois plus tard.

C'est là qu'un certain Paul Signac remarque la «  Baignade » … accrochée dans la buvette de l'expo !

Il rencontre aussi Seurat et les deux jeunes artistes se lient immédiatement d'amitié, échangeant leurs vues sur une approche scientifique de la peinture.

Tous les deux admirent Delacroix et s'intéressent aux travaux de Blanc, Sutter et Rood.

C'est un coup du destin !

Signac est fasciné par la rigueur scientifique de Seurat et Seurat s'intéresse de près à l'approche qu'a Signac de la couleur et de la lumière.

Peu à peu, l'idée du mélange optique des couleurs va s'imposer aux deux jeunes artistes.

En 1885, Signac présente Seurat à Camille Pissarro, qui va devenir le doyen du mouvement, adoptant alors la méthode divisionniste ... bien qu'avec prudence.

Les trois artistes échangent idées et découvertes.

Cette "passion" commune va devenir un "mouvement".

Lors du projet d'une nouvelle exposition impressionniste, induite par Berthe Morisot et son mari, Eugène Manet, Pissarro insiste pour que ses nouveaux amis soient présents.

Mais il rencontre une forte opposition chez les Impressionnistes (qui pourtant avaient souffert des mêmes préjugés à leur époque !)

Finalement, des oeuvres de Pissarro, Signac, Seurat, et Lucien Pissarro (le fils), sont exposées dans une salle spéciale de l'exposition, la dernière pièce de l'appartement de la maison Dorée, rue Laffitte.

Seurat y présente " Un dimanche après-midi à la Grande Jatte",

La toile est bien trop grande pour être à son avantage dans cette petite pièce, et la foule curieuse qui accourt devient moqueuse. Seurat et ses amis essuient de vives critiques.

Il parait même que lorsque le peintre Theo VanRysselberghe visita l'exposition, accompagné de son ami le poète Emile Verhaeren, il brisa sa canne devant la toile de Seurat ... irritation ou émotion ? Il deviendra quelques temps plus tard membre du mouvement divisionniste.

C'est à la seconde exposition des indépendants en 1886 que véritablement le mouvement va naitre.

Cette fois, les néo-impressionnistes ont une salle réservée. Seurat y "règne",  entouré de Signac, Dubois Pillet, Angrand, Cross et Lucien Pissarro.

Un jeune critique d'art va prendre la défense de cet art nouveau : Félix Fénéon.

Comme Zola pour les Impressionnistes, il va devenir le porte parole du petit groupe, qui lie des amitiés avec le mouvement anarchiste.

En 1886, Fénéon invente le terme de " néo-impressionnisme" (bien que Seurat eut préféré la désignation plus précise de “chromo-luminariste”) qui traduit bien le fait que le jeune mouvement a le même but que les Impressionnistes auprès de la couleur et de la lumière, mais en utilisant des moyens différents pour y arriver.

Pendant les quatre années qui vont suivre, le mouvement connait ses heures de gloire et fait de nombreux adeptes, y compris à l'étranger (notammment en Belgique et en Italie).

Mais l'engouement des jeunes artistes va diminuer rapidement : le divisionnisme est un art trop exigeant, et Seurat est souvent condescendant, jaloux et un peu "parano".

Il n'apprécie pas l'accroissement du nombre d'adeptes du mouvement !

Signac en revanche force l'admiration de tous.

En 1890, Pissarro décide d'abandonner la voix du néo-impressionnisme.( " impossibilité de suivre mes sensations, et par conséquent de donner la vie, le mouvement, la possibilité de suivre les effets si fugitifs et si admirables de la nature, la possibilité de donner un caractère particulier à mon dessin, j'ai dû renoncer. Il était temps !")

En 1891, Seurat meurt.

C 'est le coup de grâce pour le néo-impressionnisme.

Signac décidera de perpétrer le travail de son ami. Il restera fidèle aux divisionnisme et publiera en 1899 : " De Delacroix au néo-impressionnisme" dans lequel il expliquera leurs théories.

En 7 ans tout a été dit !

Mais "7 ans", c'est le temps qu'il a suffi à Seurat et ses amis

pour ouvrir la voie aux bouleversements picturaux du XX° s.

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"L’art brut préféré aux arts culturels", 1949

(Manifeste accompagnant la première exposition collective de l’Art brut à la Galerie Drouin, reproduit dans Prospectus et tous écrits suivants, Gallimard, 1967)

« Nous entendons par là des ouvrages exécutés par des personnes indemnes de culture artistique, dans lesquels donc le mimétisme, contrairement à ce qui se passe chez les intellectuels, ait peu ou pas de part, de sorte que leurs auteurs y tirent tout (sujets, choix des matériaux mis en œuvre, moyens de transposition, rythmes, façons d’écriture, etc.) de leur propre fond et non pas des poncifs de l’art classique ou de l’art à la mode. Nous y assistons à l’opération artistique toute pure, brute, réinventée dans l’entier de toutes ses phases par son auteur, à partir seulement de ses propres impulsions. De l’art donc où se manifeste la seule fonction de l’invention, et non, celles, constantes dans l’art culturel, du caméléon et du singe. »

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Ce nom ne vous évoque souvent que celui d'un Boulevard du 4° arrondissement de Marseille.

Pourtant Françoise Duparc, même si elle est née en Murcie ( Espagne),le 15 octobre 1726 ( son père, le sculpteur marseillais Antoine Duparc s'y installe une dizaine d'années probablement pour fuir la peste ) fait partie des plus célèbres de peintres de l'école provençale.

Sa famille revient à Marseille en 1730.

De 1742 à 1745, elle fera son apprentissage dans l'atelier de Van Loo à Aix en Provence puis travaillera dans différentes villes d'Europe : Paris, Londres (où elle participe à deux salons en 1763 et 1766)  Breslau ... .

Dans un style intimiste,dépouillé et sincère, elle peint le portrait de gens "ordinaires ", hommes et femmes rencontrés dans la rue ou à l'intérieur de maisons modestes, dans des scènes de la vie quotidienne.

Sa peinture est fortement influencée par le style hollandais.

 Elle revient à Marseille vers 1771, où elle sera reçue à l'Académie de peinture et de sculpture en 1776.

Elle décède peu après le 2 octobre 1778.

Après son décès, l'inventaire fait état de quarante et un tableaux qui n'ont pas été retrouvés ...  à l'exception de quatre toiles léguées par l'artiste à la ville de Marseille et qui se trouvent actuellement au musée des Beaux-Arts de Marseille:  

Femme à l'ouvrage, Marchande de tisane, Vieille femme et Homme à la besace.

La marchande de tisane représente une jeune femme vêtue d'une robe grise et d'un tablier blanc portant la coiffe blanche des femmes du peuple. Une fontaine est suspendue à ses épaules et elle tient un gobelet à la main.

Cette toile s'est longtemps intitulée La laitière. Cette appellation surprend car les gravures de l'époque représentent les laitières portant le lait dans des pots en fer blanc placés sur leur tête ou tenus à bout de bras.

C'est en 1938 que Joseph Billioud, archiviste, retrouve le testament de Françoise Duparc où il est précisé que dans les quatre tableaux légués à la ville figure la marchande de tisane. 

Le sculpteur Antoine Duparc s'installe près de dix ans à Murcie (Espagne). Il se marie et a quatre enfants. De retour à Marseille, il poursuivra son métier de sculpteur. 

Il participe au décor du maître autel de l'église des Grands-Carmes à Marseille et sculpte le Christ gisant du maître autel de la collégiale Notre-Dame de Villeneuve-lès-Avignon.
Ses fils Antoine et Raphaël travaillent également la sculpture.

Ses filles Françoise et Joseph-Antonia s'adonnent à la peinture.

En savoir + ? ici

Françoise Duparc fait donc partie de cette longue " liste" de peintres marseillais que nous découvrons cette année ... En nous intéressant aux portraits notamment dans le cours de dessin, nous ne pouvions ne pas la citer et j'espère que nous pourrons aller très bientôt re découvrir ses toiles ... ceci dès la ré-ouverture du Musée Longchamp ...