" Je ne vois pas qu'il y ait jamais un homme traitant une femme d'égale à égal et c'est tout ce que j'aurais demandé, car je sais que je le vaux"

Berthe Morisot 1890

Outre le combat commun que Berthe mena avec ses camarades pour faire reconnaître cette peinture nouvelle au tournant du siècle, elle dut aussi surmonter le "handicap" d'être une femme et c'est près de 10 ans après la 1° exposition impressionniste qu'elle écrit :

" Je commence à entrer dans l'intimité de mes confrères les impressionnistes"

  (1884)

"L'été" 1876

Degas précisant :

" Il lui aura fallu une vingtaine d'années pour être considérée comme étant du bâtiment"

  "La leçon de couture" 1884

  Ces  impressionnistes, "révolutionnaires malgré eux", ..... en lutte contre la peinture d'atelier officielle peignaient le plus souvent des motifs du quotidien, en plein air, d'une peinture « rapide » qui mettait évidence, les jeux de lumière, le mouvement et les … impressions... 

 Avec Camille Pissarro, Berthe Morisot sera la seule artiste qui aura participé à toutes les expositions impressionnistes (sauf celle de 1879, année de la naissance de sa fille).

Malgré l'adversité de ses contemporains, elle poursuivra cette voie novatrice en apportant au sein du groupe impressionniste une touche personnelle, vigoureuse et poétique à la fois. 

Elle réalise de nombreux paysages, mais les portraits féminins sont très largement dominants : "effet de miroir" sur les femmes de son époque, elle puise dans son environnement immédiat des scènes la vie quotidienne et des sujets liés à sa vie personnelle. ( comme sa contemporaine et amie américaine, Mary Cassat)  

Ses tableaux paraissent pris sur le vif et spontanés, mais en réalité elle fait souvent toute une série de dessins et études préparatoires.

Etude pour "Le cerisier" - sanguine

1891

Etude pour "Le cerisier" - aquarelle

1891

"Le cerisier" - Huile sur toile

154 x 84 cm - Musée Marmottan

1891

Perfectionniste, jamais satisfaite de son travail, elle travaille parfois pendant plusieurs mois à un même tableau.

" Les formes sont toujours vagues dans les tableaux de Mme Berthe Morizot, mais une vie étrange les anime. L'artiste a trouvé le moyen de fixer les chatoiements, les lueurs produites sur les choses et l'air qui les enveloppe .. le rose, le vert pâle, la lumière vaguement dorée, chantent avec une harmonie inexprimable. Nul ne représente l'impressionnisme avec un talent plus raffiné, avec plus d'autorité que Madame Morisot ". Gustave Geoffroy "L'exposition des artistes indépendants" -

La Justice 19 avril 1881 -

« Parlez-moi de Mlle Morisot ! Cette jeune personne ne s'amuse pas à reproduire une foule de détails oiseux. Lorsqu'elle a une main à peindre, elle donne autant de coups de brosse qu'il y a de doigts, et l'affaire est faite. Les niais qui cherchent la petite bête dans une main n'entendent rien à l'art  impressif, et le grand Manet les chasserait de sa république » 

Le critique Louis Leroy

De même, ses peintures, si sensibles, douces et d'une apparente légèreté, ne semblent pas être en accord avec sa personnalité que certains qualifient de froide et hautaine, elle ne se livre jamais en société, seule sa peinture reflète son être intérieur.

"Mes souvenirs sont en moi, impérissables, et à ma mort n'intéresserront plus personne.J'ai toujours eu beaucoup de peine à me détacher des lieux, des personnes et même des bêtes, et le plus joli, c'est qu'on me croit l'insensibilité même ".

(1893)

Les oeuvres de Berthe Morisot sont présentes dans le monde entier: de la National Gallery of Art (Washington) au Musée d'Orsay; de Marmottan ( Paris) au Toledo Museum of Art et au Minneapolis Institute of Art et à la National Gallery de Londres ...

En savoir plus : 

 - Dominique Bona, "Berthe Morisot, le secret de la femme en noir", Editions Grasset et Fasquelle, 2000.

- Berthe Morisot - "Regards pluriels" - Mazzotta

Tout au long de sa vie Artemisia ne cessera jamais de peindre et d'améliorer son style, «  s'attaquant » à des sujets et des thèmes plutôt traités à son époque par des artistes« masculins ».

Ainsi « l'histoire de Judith tuant Holopherne »,

  l'un des thèmes récurrent dans la peinture religieuse, alors.

L'histoire de Judith est racontée dans un livre de la Bible : « Le Livre de Judith » ( il fait partie des livres canoniques, mais les protestants le classent comme apocryphe) 

Pour mieux comprendre, un petit résumé de l'histoire ! 

« Dans la 12^eannée de son règne, année où il se dit être «le maître du monde », Nabuchodonosor II roi d’Assyrie bat les Mèdes et envoie le général Holopherne châtier les peuples de l'ouest qui ont refusé de le soutenir dans la guerre qu'il a menée contre le roi perse Arphaxad.

A la tête d'une immense armée, Holopherne avance, détruisant et exigeant que Nabuchodonosor soit honoré comme un dieu.

Après avoir pillé, tué et ravagé dans tout le Proche-Orient, Holopherne assiège Béthulie, une ville juive (probablement Massalah), qui résiste.

Il fait boucher alors la source qui alimente la ville en eau.

Assoiffés, les Béthuliens désespèrent et sont sur le point de se rendre quand, Judith, jeune veuve de Manassé, d'une grande beauté et réputée pour sa piété et sa sagesse, prend la décision de sauver la ville.

Avec sa servante et des paniers remplis de présents, elle pénètre dans le camp d'Holopherne, parée de ses plus beaux bijoux, et fait croire qu’elle apporte de précieuses informations sur les Juifs.

Judith reste 3 jours dans le camp,

et chaque soir se dirige vers un torrent

à l'extérieur

pour s'immerger et se purifier..

Holopherne,tout de suite séduit par sa beauté et son intelligence, organise un grand banquet en son honneur, à la fin duquel ses domestiques se retirent discrètement pour ne pas troubler la nuit qui … semble s'annoncer !

Mais Judith continue d'enivrer Holopherne jusqu'à ce que, hors d'état de se défendre, elle le décapite avec l'aide de sa servante ... et du cimeterre du dit Holopherne!

Elle ramène la tête d’Holopherne dans son panier en se dirigeant comme les autres soirs vers le torrent ….

Les Béthuliens attaquent alors et mettent en déroute les Assyriens qui,de leur côté, découvrant au matin leur chef assassiné, sont pris de panique et s'enfuient."

 Cette histoire a inspiré de nombreux artistes : des peintres, des sculpteurs, et se retrouve aussi dans de nombreuses oeuvres littéraires ou théâtrales..

Donatello, Botticelli, Mantegna, Giorgone, Le Titien, Cristofano Allori, Rubens, Le Caravage, Horace Vernet... jusqu'à Klimt ont travaillé le sujet....

Cette histoire est devenue un mythe.

Artemisia Gentileschi consacrera cinq tableaux à cette histoire.

Sans nul doute que cette histoire " biblique" fait écho à la propre violence qu'elle a du subir

( cf ici )

Et de fait il y a une "grande différence de ton" lorsque l'on compare les oeuvres d'Artemisia et celles de ses "collègues" masculins mais aussi entre Artemisia et d'autres femmes contemporaines qui ont traité ce même sujet (ex : Lavina Fontana ou Fede Galizia...)

Artemisia Gentileschi (1612)

En mettant en parallèle, par exemple, la Judith du Caravage et celle d'Artemisia,

la différence saute tout de suite aux yeux...

Le Caravage ( 1598)

- en premier, le contraste se situe dans la composition et le sens choisi ( l'un en hauteur, l'autre en largeur) du tableau.

- chez Artemisia, la scène est resserrée, les femmes actives l'une et l'autre maintiennent fermement Holopherne; le centre du tableau passe par "le coeur" de l'action et donne cohésion à la scène dans un mouvement circulaire autour de ce même centre ( position des têtes, des bras ...).

- chez le Caravage, les femmes semblent " décentrées" par rapport à l'action, le tableau est scindé en deux parties; les femmes sont actrices mais donne l'impression de l'être malgré elles... elle semblent plus spectatrices. Le geste est toujours au centre du tableau, mais là au lieu de faire cohésion à l'ensemble, il semble les séparer...d'un côté Holopherne... de l'autre Judith et sa servante.

 - "Les Judith" sont là deux femmes différentes:

- celle d'Artemisia, est forte, déterminée, accomplissant son geste avec calme et "soutenue" par sa servante, jeune qui participe aussi à l'action. On les retrouve complices... de même dans le tableau suivant où elles emportent la tête d'Holopherne et semblent en plein conciliabule.

- la Judith du Caravage, est plus menue et apeurée; elle se tient le plus loin possible, essayant d'éviter le sang qui coule de l'autre côté; sa servante semble plus déterminée mais a un rôle passif qui "déteint" sur l'attitude de la jeune fille. Elle semble agir malgré elle, semble passive, et a une mine de dégoût.

Artemisia

Si  Le Caravage représente une Judith passive et craintive, conformément à l'idée que l'on se faisait de la femme à son époque, la composition et la réalisation des tableaux d'Artemisia "sonnent" comme une vengeance liée aux traumatismes de sa propre vie ....

A notre époque, ces sujets "n'ont plus cours" bien que d'autres violences soient aussi souvent exprimées dans l'art ... mais autrement!

Il est intéressant de comprendre à chaque époque et à travers chaque oeuvre, les intentions de l'artiste... et remettre l'oeuvre dans son contexte...

Ce qui nous permet de mieux comprendre et apprécier !

Si vous voulez découvrir encore et plus sur Artemisia , deux excellents livres :

- " Les femmes peintres " de Clarisse Nicoïdski chez Lattès

- "Artemisia" d'Alexandra Lapierre chez Robert Laffont

et un film :

- " Artemisia" d' Agnès Merlet ( 1997) avec Valentina Cervi et Michel Serrault ...

Je vous entends déjà d'ici...

Mais qu'est-ce qu'elle raconte?...

Parle t'elle bien de Léonard, le vrai , l'unique,

le grand "di Vinci"

et de sa "Mona"... sa "Lisa" ...

la seule que nous connaissions...  

La " Lisa" tant regardée et admirée...

"La Joconde" en fait...

Mais comment parler de la perspective atmosphérique avec un portrait...

aussi célèbre soit-il?

Un petit mot sur l'artiste tout d'abord

Léonard de Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci, dit Leonardo da Vinci) est né à Vinci ( en Italie, pas loin de Florence) le 15 avril 1452 et est mort à Amboise (en France) le 02 mai 1519. 

Léonard de Vinci passera les trois dernières années de sa vie en France, sous la protection de François 1er au Clos Lucé à Amboise, transformé aujourd'hui en musée. Il est enterré dans la chapelle du château d'Amboise.

Léonard de Vinci est le génie

de la Renaissance italienne.

Artiste complet doublé d'un homme d'esprit universel, il était aussi ingénieur, inventeur, scientifique, peintre, architecte, sculpteur, botaniste, poète, philosophe, musicien, écrivain...

Il s'intéressait autant à l'art qu'à l'anatomie, l'astronomie, l'urbanisme, l'hydraulique ou l'aéronautique.

Connu pour ses nombreuses inventions, il réalisera d'ailleurs peu de toiles et qui restent souvent inachevées.

Par contre, il laisse un nombre impressionnant de dessins, de cartons et d'écrits sur la peinture confirmant l'importance de ses recherches en ce domaine, son souci de perfection dans la représentation et la rigueur de sa construction.

Les personnages de ces toiles sont peints avec extrêmement de précision, ainsi qu'avec grâce et beauté.

Les mouvements du corps, les expressions sont réalistes.

Ses recherche scientifiques ( anatomie- botanique...) sont au service de sa peinture.

... "Dans ce visage, qui voulait voir combien l'art peut imiter la nature pouvait aisément le comprendre ; parce qu'y étaient contrefaits les moindres détails qui se peuvent peindre avec subtilité : les yeux y avaient cet éclat et cette humidité qui se voient sans cesse dans la vie : et autour de ceux-ci, toutes ces nuances des chairs rougies ou pâles et les cils, qu'on ne peut faire sans une extrême subtilité ; l'implantation des cils (ou sourcils), épais par endroits et plus rares à d'autres, ne pouvait être plus naturelle ; le nez avec ses narines roses et délicates, semblait vivant ; la bouche, avec sa fente et le passage fondu de l'incarnat des lèvres à celui du visage, paraissait vraiment de chair et non de couleur ; qui regardait le creux de la gorge y voyait le battement des veines et en vérité on peut dire qu'elle fut peinte d'une manière à faire trembler et craindre tout grand artiste, quel qu'il soit. »...

à propos de la Joconde ...Giorgio Vasari 1511/1574, peintre et auteur des "Vies des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes"

Dans le même esprit, son étude de l'espace le conduit à poser la théorie de la perspective et la lumière.

Il utilise exclusivement la lumière pour définir volumes, modelés, distances.

Sur ses toiles, ses recherches se traduisent par la perspective atmosphérique qui l'engage à atténuer les contrastes, à estomper les formes des objets éloignés dans une atmosphère brumeuse - son sfumato - et par la technique naissante du clair-obscur qui lui permet de moduler la lumière sur un fond d'ombre et d'adoucir les couleurs pour suggérer le relief et la profondeur.

« Le » Tableau

Portrait ou (et) Paysage ?

"La Joconde", ou "Portrait de Mona Lisa", a été peint par Léonard  entre1503et 1506.

 C' est l'un des rares tableaux attribués de façon certaine à Léonard  de Vinci (il l'a ramené en France avec lui en 1516)

La Joconde de Léonard de Vinci est incontestablement le tableau le plus célèbre. 

Conservé au musée du Louvre à Paris, le tableau est protégé par plusieurs centimètres de verre pare-balles et est vu par 16000 visiteurs chaque jour. Il a été volé en 1911, copié de nombreuses fois et a inspiré de nombreux artistes qui l'ont détourné, transformé. ( Comme Marcel Duchamp, Fernand Léger, Andy Warhol, Salvador Dali....)

Ce tableau est bien un portrait :celui de Mona Lisa ("Madonna Lisa", ou Lisa Gherardini, de son nom de jeune fille), épouse du riche florentin Francisco dei Giocondo qui commanda à Léonard de Vinci vers 1503, un tableau représentant son épouse (après la naissance de leur troisième enfant, en décembre 1502, et l'acquisition d'une maison )

On raconte que Léonard de Vinci ne livra jamais le tableau à son commanditaire ; il l'emmenait dans ses voyages, le retouchait sans cesse.

Nous avons déjà parlé des recherches de Léonard et du fait qu'il a renouvelé ainsi la peinture et le métier de peintre.

La carrière et ses intérêts multiples ont laissé paradoxalement peu de place à la peinture, alors qu'il la plaçait au-dessus de tous les autres arts. Quatre œuvres jalonnent sa carrière et La Joconde, qui pour Léonard représente la beauté parfaite, rassemble à elle seule les recherches et les théories artistiques de l'artiste sur la question du paysage, du portrait et de l'expression du modèle (le succès du tableau vient d'ailleurs en grande partie de la complexité de l'expression de Mona Lisa).

La Joconde concentre en une toile ses recherches

Observons en effet le portrait:

-  Devant ce sourire énigmatique ( ou plutôt le modelé de sa bouche), tout a été dit ou imaginé...la Joconde ébauche un sourire, à qui .? ... à nous ?

-  Son regard semble en effet nous fixer et nous suivre.

- Vasari nous a déjà parlé de ce rendu si vivant ... voir plus haut...

- Le grain de sa peau est exécuté de manière parfaite lui donnant une réalité vivante ( D'un point de vue technique, la peinture est recouverte d'une succession de glacis colorés qui vitrifient littéralement le tableau) 

- Ses mains croisées soulignent la grâce et la majesté du personnage.

...

Tant à voir et à découvrir..

.mais nous aurons l'occasion de reparler de ce portrait si célèbre ...

Car ce portrait est aussi paysage...

vous ne l'avez pas bien vu ?...

observez...

Mona Lisa se détache sur un arrière plan composé de deux parties superposées : un paysage humanisé et un paysage imaginaire.

Ce paysage suppose une vue "en plongée" alors que la figure est perçue de manière frontale.

Le paysage n'est pas un simple élément de décor, il participe du mystère de la toile.

Paysage en deux parties : l'une dans des tons ocres, l'autre dans des tons bleutées.

Paysage sur lequel Léonard "applique" ses théories de perspective atmosphérique (revoir ici), et le travail de "sfumato" .

Il y a lien et harmonie entre la figure et le paysage.

Les plis de l'écharpe, sur l'épaule gauche de Mona Lisa se prolongent dans un aqueduc lointain.

Le drapé du tissu de sa manche droite reprend le dessin de la route qui serpente au loin.

( Dans les dernières décennies du XVe siècle, à Florence comme ailleurs, le motif du fleuve et du chemin serpentant  figurait la profondeur de façon conventionnelle)

Le paysage du fond n'est pas le même du côté droit et du côté gauche du visage. Celui de gauche a tendance à attirer le regard vers le bas, celui de droite à pousser le regard vers le haut .

...

Ce décor outre une application parfaite des théories de léonard attribue à ce tableau son sens étrange de la vie et du temps qui passe, faisant ainsi de ce tableau si célèbre... plus qu'un simple portrait !

Et explique aussi sa place si importante dans l'histoire de l'art, avec l'arrivée de la peinture "moderne"  de la Renaissance.

   Pour une visite : c'est par ici

et pour en savoir plus : c'est par là !

Dans l'Etat du Bihâr, en Inde orientale, dans un village au Sud Est de la ville de Madhubani, à Jitwarpur, existe une forme d'art particulière : les murs des maisons de ce village sont ornés de bas-reliefs faits d'un mélange de fumier sec et de boue. 

Ces peintures murales racontent les grands thèmes de la civilisation hindoue : les mythes fondateurs, les récits folkloriques, les fêtes religieuses ...  associant ainsi "religion et excréments" montrant la chaîne de toute création... ce qui dans la religion judéo-chrétienne est indiqué par " l'homme n'est que poussière"...

Seules les femmes faisaient ce travail, seules à détenir le savoir artistique.

Elles pratiquaient leur art comme on le fait d'une religion et le transmettaient de mère en filles, sortes de "prêtresses " de la mémoire. Réunies, et chantant des ballades transmises aussi de mères en filles, elles peignaient ensemble toujours de façon anonyme.

Dès l'enfance, les femmes sont initiées à la connaissance des symboles sacrés et  se mettent à l'oeuvre après prière et méditation. 

Ces peintures murales sont destinées à décorer leur vie et à élever leur âme. 

Depuis des siècles, la peinture est un élément essentiel de l'éducation de ces femmes, art qui culmine dans la décoration des murs du kohbar (la chambre nuptiale), au moment des noces. Les peintures kohbar ghar s'inspirent de thèmes mythologiques et folkloriques ainsi que du symbolisme tantrique, bien que le thème central soit invariablement l'amour et la fertilité.

La caste des Brahmanes a le droit de travailler l'expression de la spiritualité, et les intouchables, travaillent le côté plus profane.

Dans notre période où nous abordons " le sens du sacré" et les femmes artistes... nous devons faire une place aux femmes de Mithila ...

Bien loin de nos femmes "enlumineurs" ?

Il y a je pense, sans filiation aucune, une sorte de lien entre à travers le "temps et l'espace" entre toutes ces femmes.

" La divinité aura séjour dans nos oeuvres, si nous les réalisons conformément aux rites et dans la sincérité du sentiment. Certes, nous laissons les lignes du visage de nos personnages volontairement dans l'imprécision, car nul être humain n'a le pouvoir de représenter la figure de la divinité"

Depuis l'an 3102 av. J-C., à Mithila, le "passé" se fond dans la vie quotidienne et les fables et les légendes se vivent au présent.

Ce sont ces légendes que peignent les artistes de Mithila selon des règles précises.

Telle la légende du Prince Rama de Ayodhya-Ramachandra qui afin d'épouser la belle Sita se rendit à la cour du roi Janaka, son père. Cette légende prouvant le triomphe de l'amour sur la force physique.

Pour obtenir la main de sa fille, le roi lui demanda de soulever l'arc ancien, si lourd que quatre serviteurs étaient nécessaires pour le soulever ... ce que fit Rama aussi facilement qu'il l'aurait fait avec une plume... Il reposa l'arc à terre si fortement que l'onde sonore s'entendit à des lieux à la ronde.

Les dessins géométriques et stylisés,sont réalisés avec des couleurs éclatantes et symboliques.

Ces artistes composent elle-même leurs couleurs : le noir provient de la suie des chaudrons, et des dépôts des lampes à huile; le blanc, de l'eau de riz, de certaines fleurs aux couleurs vives contenant une part importante de fer, ainsi que des plantes à épines, broyées et mêlées à de l'huile de lin pour intensifier la qualité d'une couleur.

Les tons de terre sont fournis par le sol, les ocres, les beiges et les bruns proviennent des bouses séchées.

Le jaune vient de plantes grimpantes vénéneuses et l'indigo donnent des bleus et des violets intenses.

Elles peignent aussi des saris.

Elles travaillent avec des pinceaux faits de brindilles attachées mêlées à des fils, et la résine des arbres permet de fixer les pigments sur l'étoffe.

 Pour cet article ( ... et ceux qui vont suivre), je me suis encore une fois "plongée"

dans le livre très intéressant de Clarisse Nicoïdski

"Une histoire des femmes peintres " ( Lattès)

et vous pouvez trouver aussi des infos : ici et là ...

où j'ai puisé infos et illustrations... merci !

Donc, en ce temps où les enfants naissent dans une "chambre des dames", les femmes possèdent le pouvoir matériel, la force de la spiritualité, et la force créatrice, artistique.  

La naissance

Jacques de Guise

"Histoires des nobles princes de Hainaut" - XV° s.

Avant la Renaissance, les femmes peintres ne sont pas moins rares que les hommes.

Les artistes (orfèvres, ébénistes...) réunis dans des « Guildes » sont plutôt dénommés   "artisans".

Les femmes qui n’accèdent pas à l’apprentissage comme les hommes, sont formées comme dans les autres métiers au sein de leur famille.

Scène de famille : femme filant à la quenouille

Bourdichon - " Les quatre états de la société"."Le travail"

XV°s.

Le statut de la "femme artiste" est reconnu tout d’abord dans le domaine de la tapisserie.

Toutes les femmes d'alors cardent la laine, la teignent, la filent, pour faire les vêtements à la maison.

Cardage, Filage et tissage

Boccace - " Le livre des femmes nobles et renommées - XV°s.

Récolte des cocons et tissage de la soie

Boccace - "De claris mulieribus" - XV°s.

Mais pour atteindre la création artistique, il faut pouvoir détourner ces activités de leur finalité et leur confier une dimension décorative ;de même pour la couture, la rubanerie ou la broderie.

De nombreuses annotations présentes sur des manuscrits médiévaux dépeignent des femmes se servant de fuseaux. 

Filage à la quenouille

Boccace - "Le livre des cleres et nobles femmes" - XV°s.

Par le biais de la tapisserie, ces femmes peuvent illustrer des faits historiques (comme la bataille de Malden).

De fait, en Angleterre, jusqu'au XIII° s. la production des Opus Anglicanum  ou des somptueuses broderies destinées au clergé est réservée aux femmes.

L'une des plus célèbres broderies du moyen âge est sans aucun doute la Tapisserie de Bayeux, longue de 70 mètres, que la légende attribue à la Reine Mathilde ( bien que plusieurs historiens pensent plus probablement à une réalisation faite dans un atelier ou un couvent)

C'est donc bien une activité artistique (il parait que certains moines brodaient aussi)

Le filage 

Antoine Dufour - "La vie des femmes célèbres" - 1505

Pour être « artiste », il faut être bien née.

Les jeunes filles nobles apprennent la broderie et souvent entrent au service d'une princesse ; elles travaillent alors la soie.

Les paysannes célibataires n'ont pas cette possibilité et passent leur vie à faire des travaux manuels.

Si elles deviennent religieuses, elles passent une partie de leur temps à broder des ornements. Chasubles, ornements d'autel, étendards, tapisserie, étoffes ne sont pas encore des tableaux peints mais…

Il faut voir dans" cette aiguille", l'ancêtre du pinceau, et dans leurs fils, les couleurs.

Le tissage de la Tapisserie 

Christine de Pisan- " Cité des dames" -1475

La plupart de ces femmes resteront anonymes.  

Mais le travail devient de plus en plus individuel et elles commencent à signer leurs oeuvres.  

Certaines familles connaissent la célébrité, et la prospérité, en transmettant "le métier" de mère à fille.

Certaines brodeuses seront aussi célèbres que leurs" sœurs peintres "de la Renaissance.