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Si le pastel à la cire, créé pour donner aux artistes et aux étudiants des Beaux arts, un outil de création " immédiat", est une technique récente :

Les premières craies de cire sont produites par la société américaine Crayola en 1903, Sakura au Japon lance les premières " Cray-pas" en 1925 ;

dans les années 30, Talens propose sa craie Panda

Dans le même temps, Caran d'Ache commence dès 1965

le développement du Néopastel ( semble t'il sous la demande de Miro)

Il "descend" en ligne droite de la peinture à l'encaustique, qui est avec la peinture à tempéra ( à l'oeuf) l'une des plus anciennes techniques de peinture.

Utilisée dès l’Antiquité chez les Egyptiens pour la peinture des sarcophages et pour les peintures murales chez les Romains.

Les couleurs sont préparées avec des pigments dissous dans de la cire fondue et appliquées ensuite à l’aide de spatules ou de différents outils chauffés permettant de maintenir la cire liquide, le plus souvent sur un support en bois (support qui doit être aussi  maintenu à bonne température afin d’éviter le durcissement total des couches de cire).

C’est une technique lente et difficile.

Les plus beaux tableaux à l'encaustique ont été retrouvés à partir de 1888 au Fayoum en Egypte.

 Ce sont les plus anciens tableaux de chevalet.

Ces " portraits du Fayoum"  ( plus de 1 000 ont été découverts) datent des premiers siècles de notre ère ( du I° au IV° s.) ; ils étaient peints du vivant du modèle ( ils montrent donc la plupart du temps des personnes jeunes ), réalisés généralement à l'encaustique, quelquefois à tempera sur une planchette de bois (tilleul importé, figuier, cèdre, ou sycomore).

 Placés en correspondance avec la tête du mort, ils étaient glissés dans l'appareil de bandelettes ou plus rarement posés à côté de la momie.

Le peintre en plus de l'or, n'utilisait que quatre couleurs ; le noir, le rouge et deux ocres ; les pigments naturels étaient mélangés à chaud à de la cire d'abeille, avec de l'huile de lin ou de l'œuf et le mélange ainsi obtenu appliqué immédiatement sur de la toile de lin ou du bois. Les larges surfaces (fond et vêtements) étaient traitées à la brosse, et le visage était achevé à la spatule (Des spatules chauffées venaient à la fin du travail préciser les nuances et les dégradés).

  Portrait de femme

et une explication sur cet article bien fait ,

voir ici

Je vous laisse naviguer sur le net en admirant ces portraits qui au delà de la technique difficile avec laquelle ils sont réalisés, montre une vraie présence de ces visages tous différents, puisque donc très réalistes et si poétiques à la fois.

Mais ne croyez pas que la peinture à l'encaustique a dit son dernier mot!

Des artistes continuent de l'utiliser dans leurs créations.

" Allez faire un tour ", par exemple,

chez Igor Bitman

notamment sur ce site :

ici

mais sur d'autres galeries virtuelles aussi qui présentent

son travail à l'huile ... et à l'encaustique.

Admirez !

... ont été les "outils" que je vous ai proposé de re(découvrir)

avec notre thème

" l'art est-il un jeu d'enfant ?".

Vous avez donc "ressorti vos trousses"

et retrouvé un plaisir certain à réutiliser ces outils

que nous associons aux dessins d'enfants

mais qui vous ont entrainé sur des chemins artistiques

que vous n'auriez pas soupçonnés.

Ce n'est pas la première fois bien sur que nous les utilisons :

je vous renvoie ainsi vers quelques articles ..

( Cliquez sur les noms suivants pour y accéder):

- la gouache

- les pastels à la cire  (et ici aussi)

- les pastels à l'huile

- Les crayons de couleur ( revoir les 4 articles)

Certains se sont pris au jeu pour cette technique de la peinture à l'encaustique dont je vous reparlerai sous peu ...

Gilbert s'est ainsi découvert une belle vocation pour le fer à repasser !

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Nous avons donc bien passé en revue les potentialités des crayons de couleur.

N'hésitez pas à relire et à travailler sous forme de petits exercices,

les caractéristiques de cet "outil" :

(re) voir :

les crayons de couleur 1 ;

les crayons de couleur 2 ;

les crayons de couleur 3

La technique du crayon de couleur a du mal à obtenir ses lettres de noblesse en France. Depuis toujours, elle est associée au dessin et, comme le crayon graphite et le fusain, elle semble ne pouvoir trouver crédit au-delà des simples esquisses et prises de notes.

L'apparition de nouveaux types de crayons aquarellables, de "tout en mines" , des solubles à la térébenthine, ..... n'a pas vraiment fait évoluer la situation.

Si, à juste titre les artistes se méfiaient autrefois du crayon de couleur, trop altérable à la lumière, cette prudence n'est plus de mise aujourd'hui : les fabricants produisent des crayons aux couleurs résistantes grâce à des pigments de qualité. La plupart des marques indiquent même leur degré de résistance à la lumière et il est facile de disposer d'une panoplie de crayons de bonne, voire de très bonne qualité.

Alors pourquoi cette prudence ou cette méconnaissance ?

Poids des traditions, spécificité française ?

Il est vrai qu'en France et même en Europe nous sommes encore retenus pour certaines conceptions qui nous viennent du passé : " il existerait des techniques "nobles", avec en tête la peinture à l'huile , devant d'autres techniques qui le sont moins..."

Même l'aquarelle et le pastel ( même si avec le temps, ils ont acquis un statut meilleur que dans les siècles passés) subissent toujours une dépréciation, surtout à cause de leur support : le papier.

Le crayon de couleur semble souffrir d'une même injustice.

A vous de le "sortir de vos trousses" et de montrer qu'il peut vous aider à réaliser des oeuvres tout autant qu'avec les autres techniques que vous avez l'habitude d'utiliser.

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Après avoir testé les crayons de couleur et observé leur différence de dureté,

(re) voir ici

Quelques notions de base sont nécessaires  :

Le bon papier

Le choix du papier détermine le résultat final du dessin.

Soyez attentifs sur ce point.

Le papier fort, avec un léger mordant, est le plus couramment utilisé. Plus le grain est grossier, plus le papier supporte les couches de couleurs. 

Les surfaces trop lisses ne conviennent pas pour le travail au crayon de couleur, à l'exception des dessins à traits fermes. 

Les papiers granuleux très texturés (les papiers faits à la main et les papiers pour l'aquarelle ) donnent également des dessins a l'aspect granuleux et des effets de matière. Il faut les utiliser pour un travail " libre ", mais pas pour un travail minutieux ou avec des couches uniformes de couleur. 

Des papiers teintés, légèrement texturés ( ex :  comme le Canson et le Fabriano) sont parfaits et offrent une gamme large de couleurs et de nuances.

Le geste : " les hachures " :

Il est important, comme pour un travail avec un crayon graphite de colorier en formant des hachures puis des contre hachures qui vont venir se fondre tout à fait naturellement au fur et à mesure du travail. 

Attention à ne pas appuyer trop fort lors d'un premier passage pour ne pas saturer le papier trop vite ; effectuez une pression de plus en plus forte au fur et à mesure du travail 

Attention à ne pas saturer trop vite car un papier saturé trop vite ne voudra alors plus recevoir d'autres couches colorées pour des nuances ultérieures… ça patine !

La pression du crayon :

D'une pression légère à forte en passant par une pression moyenne, les nuances du dessin dépendent de la pression exercée sur le crayon.

Une forte pression donne un ton saturé, une pression moyenne un ton moyen, une pression légère, un ton plus clair.

• Utilisez la pointe et aiguisez votre crayon pour les lignes fines.

• Pour les lignes plus douces et les traits de crayon épais, travaillez avec le côté de la mine ( que vous dégagez alors avec votre cutter ou votre "couteau grattoir" .. pour les plus " professionnels" d'entre vous !)

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Qu'est ce que c'est ?

Le « glacis » est une couche appliquée très transparente sur une couche opaque et sèche ( ou avec un tour de main plus expérimenté sur une couche semi-sèche).

Il se superpose comme «  un filtre de couleur ».

De ce fait, la deuxième couche doit être étalée légèrement sur la première avec une couleur réalisée avec des pigments transparents et si possible à l'aide d'un médium pour glacis.

Le glacis est connu depuis longtemps des maitres de la peinture à l'huile.

C'est le processus même de la peinture à l'huile et qui en fait sa richesse.

 Il est désormais possible de faire de même avec la peinture acrylique.

 (avec un + : la peinture acrylique sèche vite : on obtient les mêmes résultats qu'avec la peinture à l'huile avec très peu d'attente entre chaque opération)

Son rôle:

Les glacis ont 3 rôles principaux :

-  Ils sont employés pour accentuer l'effet de transparence d'une couleur donnée et renforcer ainsi sa tonalité. Pour cela on applique sur une couleur, une couleur très fine et transparente de la même nuance.

- L'effet inverse : atténuer ou diminuer l'éclat d'une nuance se réalise aussi par glaçage, c'est ainsi que l'on crée ou que l'on renforce une ombre ou une couleur assombrie. Autrefois, on ne parlait pas de "glacis", on disait que l'on " enfonçait " les ombres.

- Enfin, le troisième rôle du glacis est " d'accorder" un tableau dans une même tonalité en glaçant l'ensemble du tableau avec une couleur transparente, créant ainsi une unité, chaude ou froide, selon la couleur choisie.

Le glacis donne une profondeur et une subtilité

qu'il est difficile d'obtenir avec d'autres moyens.

Nous abordons en ce moment le glacis lors de notre atelier technique :

" Peinture à l'huile".

Si çà vous dit d'essayer !